根植于土壤
土壤散作灰尘，落叶凝化成泥，自然界细微的变化，正是杨心广的创作源泉。十余年来，他始终坚持以自然界的物质为创作根基。泥土、树枝、落叶、木材、沙砾，这些最朴素的自然材料，在他的手中被赋予了艺术的生命。作为杨心广的代表创作之一，《土壤之上》系列作品以植物、泥土等自然物为题材，揭示自然物在人类生存空间中的特殊状态，将这些材料与工业物料交缠、叠加、并置使用，呈现一种强有力的形式感。
图1：作品《土壤之上》（左）
图2：作品《山林》（右）
在运用自然材料的同时，他又主动引入钢筋、混凝土、胶合板等人造工业材料，让天然与人工在作品中碰撞、对话，形成极具张力的视觉语言。《山林》作品中，他反观了人与自然的和谐关系，运用木材这一自然元素，通过精湛的工艺和独特的构思，将山林之景浓缩于画布之上。
材料，是杨心广艺术创作的核心，也是他与自然对话的媒介。2026 年 4 月 19 日至 10 月 11 日，“杨心广：幽暗地表”展览在 UCCA 沙丘美术馆正式启幕。这是杨心广迄今为止规模最大、委任作品数量最多的机构个展，也是他对自然、材料与人类关系长达十余年艺术探索的集大成之作。
图1:《陶制巢穴》（2026）
图2:《泥土》（2026）
“幽暗地表”意指大地表面常年覆盖的腐烂的枯枝落叶与分解、半分解的动植物残体，生态学与土壤学中称之为“枯落物层”。杨心广聚焦于大地最隐秘却至关重要的“枯落物层”，以全新的创作视角与材料实验，将自己对大地的理解、对生命的敬畏、对人类与自然关系的思考，完整呈现在观众面前。他坦言，这场展览是其创作生涯的重要里程碑。“幽暗地表”在他手中不仅成为一个艺术主题，更成为一个可以被感知、被思考、被共鸣的精神场域，试图唤醒人们对这一被遗忘的自然空间的关注，重新思考人类在自然中的位置。
自然界的枯枝落叶
在早期创作中，杨心广对于自然界的关注更多以情感寄托的形式出现，更源于中国古典诗词的诗意表达。“落红不是无情物” 的文人情怀让他将自然物的凋零与生命的诗意相联结，作品更多停留在情感表达与情怀寄托的层面。他从传统诗词中汲取灵感，将一草一木的枯荣转化为艺术语言，让东方美学中的自然诗意，在当代雕塑中得以延续。
《土壤之上（迷彩）》（2026）
而近些年来，杨心广试图跳出诗意的框架，从生态与自然界的现实层面重新理解人与自然的关系，从感性的表达，到物理的现实层面过渡，“降解它其实是一个物理化学的过程，涵盖了整个生物链，这其实是一个很现实的话题，跟情感没有太多的牵扯。”他不再将自然物视为情感的载体，而是将其放回生态系统的真实循环中，关注土壤、植物、微生物、生物链之间的客观关系，以艺术的方式呈现自然最本真的运行逻辑。这种从感性到理性、从诗意到现实的转变，让他的创作拥有了更厚重的学术价值与现实意义。
材料的诗学
在刚刚开幕的 UCCA 沙丘美术馆 “杨心广：幽暗地表”展览上，杨心广在材料实验上实现了新的突破，陶瓷成为此次创作的核心新材料。“之前主要是以天然材料为主，直接用树枝树叶、土壤做作品，这次我用了很多陶瓷的作品，陶瓷也是来源于土壤。”在杨心广看来，陶瓷是连接自然与人工的完美媒介：它的本源是大地的泥土，经过人类的塑形、烧制，成为可以永久保存、满足人类需求的人工制品。“从材料属性上还是离不开大地的概念，情感上面涵盖了我对大地的一些感受。”
《额外的美感》（2026）
材料的转变，暗含着杨心广对自然与人工关系的深度思考。天然土壤拥有自然的降解性、流动性，是生态循环的一部分；而陶瓷则是人类对土壤的改造与固化，阻断了自然的降解过程，成为永恒的人工造物。这种材料属性的对比，恰恰呼应了“幽暗地表”的核心主题，人类行为对自然循环的干预与封存。陶瓷的烧制过程，如同人类对自然的提炼与重塑，保留了大地的本质，却赋予了其人工的形态，完美诠释了自然与人工的共生与博弈。
除了陶瓷，钢筋、胶合板等人造材料依旧在作品中扮演着重要角色。“这些材料跟我选择的天然材料有特别契合的关系，陶瓷和钢筋在一起的质感产生的结合摩擦和碰撞，也是作品所要传达的感觉。”杨心广对材料的选择，始终服务于作品的表达，不同材质的质感对比，传递出自然与人工、柔软与坚硬、生长与固化的多重关系。
《植物纪念碑》（2026）
“我对这些材料的选择，也都是作品需要，大多是根据作品表达的需要来选择的。”这种对材料的真诚态度，让他的作品摆脱了形式主义的束缚，每一种材质都有其独特的表达意义，每一件作品都成为材料与观念的完美融合。他不依赖昂贵的材料，不追求炫技的手法，而是让材料本身说话，让材质的肌理、质感、属性，成为作品表达的一部分。
在杨心广的作品中，材料不再是单纯的创作载体，而是有生命、有语言、有故事的存在。这种材料的诗学，是杨心广艺术语言的核心。他以最朴素的材料，表达最深刻的思考；以最直接的材质碰撞，呈现最复杂的人与自然关系。
谦卑的视角
“我想传达的，是一种更深层次的关系。我们说保护自然，还是在一个人类主导的地位在看待这个问题。”谈及希望观众从展览中获得的思考，杨心广的话语直击核心。
“勇士”系列（2023）的延伸实验
长期以来，人类习惯以“万物之灵”的姿态审视自然，将自己置于自然的主宰者、保护者位置。我们谈论环保、谈论生态，本质上依旧是“人类中心主义”的视角。这种视角，让我们始终无法真正理解自然的本质，也无法建立与自然平等的关系。就好比我们站在人类的立场上定义自然、评判自然，却从未真正走进自然、理解自然。
而杨心广试图打破这种固有认知，“我的展览想呈现一个不同的角度，人类不是主导的地位。”他强调，人类是自然的一部分，而非自然的中心，“我们可以在技术上实现飞跃，甚至探索火星，但这并不意味着我们可以脱离地球、主宰自然。人类应该站在谦卑的姿态，重新看待与自然的关系。”
杨心广和好友于北京郊区爬山
这种谦卑姿态源于对自然的深度体验。杨心广酷爱爬山，尤其喜欢走没有路的山野。这种与人世隔绝的状态，能获得意想之外的思考与体会。无人的山野中，他远离城市的喧嚣，直面最本真的自然，感受大地的力量、生命的韧性。有时他甚至会拉着朋友在山野中像野兽一样叫喊，这种纯粹的、回归本能的行为使他褪去人类的身份标签，成为自然的一部分。他感受风的流动、土的温度、生命的生长，从而理解自然的运行逻辑；他在无人之境中与自己对话，与自然对话，形成了对人与自然关系的独特认知。这种源于生活的真实体验，让杨心广的创作摆脱了空洞的概念，拥有了最真挚的情感内核。
《高士》（2026）
杨心广与友人在山林间模仿野兽的嚎叫对唱
他认为，艺术家在环保理念传播中承担着独特的责任，以艺术的方式，让自然融入公众的认知，用更温柔、更直观的方式传递生态思考。艺术不同于科学说教，它以感官体验触动心灵，让观众在欣赏作品的过程中，自然而然地产生对自然的关注与敬畏。这种潜移默化的影响，比直白的警示更有力量。
从湖南到北京，从中央美术学院的雕塑课堂到国际美术馆的展览现场，杨心广始终保持着对自然的初心，行走在山野之间，触摸泥土的肌理。此次个展不是杨心广自然主题创作的终点，而是新的起点。谈及未来的创作规划，他表示将以更深刻的态度延续对自然、生态主题的探索。
野外探索中的自然图景
而对于年轻一代艺术家，杨心广也给出了最朴素的建议：遵循自己内心的真实感受，自然而然地创作。他认为，艺术创作没有捷径，尤其是环保主题的创作，必须源于创作者对自然、对生活的真实体验，不要刻意迎合议题，不要追求形式的花哨。只有发自内心地热爱自然、感受自然，才能创作出真正打动人心、具有社会价值的生态艺术作品。
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